Archivi categoria: La Mia Cineteca

Qui ci sono alcuni dei film che mi hanno appassionato e fatto venire voglia di scrivere.

“Il cielo può attendere” di Ernst Lubitsch

Pubblicato il da
Rispondi

(USA, 1943)

Ernst Lubitsch, maestro indiscusso della commedia sofisticata, ci regala con “Il cielo può attendere” uno dei suoi capolavori più raffinati e, paradossalmente, tra i più moderni. Questo film, che segna il debutto del regista nel Technicolor, è una sublimazione del celebre “Lubitsch touch” che ha definito un’intera epoca della cinematografia mondiale.

L’aspetto più stupefacente di questa pellicola è la sua straordinaria modernità ritmica. Lubitsch costruisce una commedia che, pur ambientata tra fine ‘800 e primi ‘900, possiede una fluidità narrativa che anticipa di decenni le commedie contemporanee. La struttura a flashback che parte dall’arrivo del protagonista Henry Van Cleve (interpretato magistralmente da Don Ameche) nell’anticamera dell’inferno, offre al regista l’opportunità di giocare con il tempo in modo innovativo.

Il montaggio non è mai didascalico, ma procede per ellissi significative e transizioni eleganti che conferiscono al racconto una leggerezza e un’agilità rare per il cinema degli anni ’40. Lubitsch non indugia mai in momenti superflui e sa esattamente quando tagliare una scena per passare alla successiva, creando un flusso narrativo che mantiene costantemente viva l’attenzione dello spettatore. Questa economia narrativa, questa capacità di dire molto con poco, è esattamente ciò che rende il film così fresco e godibile ancora oggi.

“Il cielo può attendere” rappresenta forse la quintessenza di quello che la critica ha definito “Lubitsch touch”: quell’inconfondibile miscela di eleganza, arguzia e sottile malizia che permea ogni inquadratura. È uno stile che si manifesta non tanto in singoli momenti eclatanti, quanto nella perfetta orchestrazione di piccoli dettagli, sguardi, silenzi e allusioni.

Lubitsch riesce a trattare temi potenzialmente scabrosi come l’infedeltà e la seduzione con una grazia disarmante, senza mai scadere nella volgarità. La sua regia è un continuo esercizio di sottrazione: non mostra mai direttamente ciò che può essere efficacemente suggerito. Una porta che si chiude, un sorriso complice, un oggetto sapientemente inquadrato bastano a comunicare allo spettatore situazioni di grande intensità emotiva o erotica.

Questa raffinatezza si riflette anche nei dialoghi, scintillanti di ironia e doppi sensi, che nascondono sotto l’apparente leggerezza una profonda comprensione della natura umana. È proprio questa capacità di unire il divertimento alla riflessione esistenziale che ha reso Lubitsch un modello per generazioni di registi, primo fra tutti Billy Wilder, che fu suo assistente e che ne assorbì profondamente la lezione.

Lo stesso Wilder, nel delizioso “Conversazioni con Billy Wilder” di Cameron Crowe, ha ricordato come, per superare ogni dubbio di sceneggiatura o di ripresa, nella sua testa si faceva la fatidica domanda: “Come la farebbe Lubitsch?”.

“Il cielo può attendere” affronta con sorprendente audacia per l’epoca il tema della fedeltà coniugale, o meglio, della sua assenza. La vita del protagonista Henry Van Cleve è infatti un susseguirsi di conquiste femminili e flirt extraconiugali, sebbene il film mostri anche il suo sincero amore per la moglie Martha (impersonata da Gene Tierney).

Questa tematica non poteva non scontrarsi con il rigido Production Code che governava Hollywood negli anni ’40. La censura intervenne in modo significativo, costringendo Lubitsch a modificare il finale originale del film, che avrebbe dovuto vedere Henry entrare nell’ascensore che lo avrebbe portato in Paradiso e trovarvi una donna assai procace e sensuale. Alla domanda del manovratore dell’ascensore sulla sua destinazione, Henry, da vero “gentiluomo”, chiede dove è diretta la donna. E quando il manovratore risponde “…all’inferno” e la donna gli lancia un ambiguo sorriso, lui con un sussulto ribatte: “…accompagniamo la signora giù …il cielo può attendere”.

Nella versione che arrivò nelle sale, invece, Henry viene perdonato dal diavolo stesso (interpretato con squisita ironia da Laird Cregar) che riconosce in lui un “peccatore dilettante” e lo indirizza verso il paradiso. Questo cambiamento snatura in parte il messaggio originale del film e il senso stesso del titolo, che faceva riferimento alla condizione di perenne conquistatore di Henry.

Nonostante questa concessione alla moralità convenzionale, Lubitsch riesce comunque a mantenere intatta la sua visione adulta e non giudicante della natura umana. Il film celebra infatti l’imperfezione e la joie de vivre del protagonista, suggerendo che una vita vissuta con passione e sincerità, pur con le sue debolezze, ha un valore intrinseco che trascende le rigide categorizzazioni morali. Non a caso il regista ammise che Henry Van Cleve aveva più di un tratto autobiografico.

In un’epoca in cui le commedie romantiche spesso ricorrono alla volgarità o alla prevedibilità, rivisitare il magistero di Lubitsch ci ricorda quanto sia possibile essere sofisticati e profondi anche nell’intrattenimento più leggero. La sua influenza è visibile non solo nell’opera del suo più celebre allievo, Billy Wilder, ma in tutti quei registi che hanno saputo coniugare la commedia con una visione complessa della condizione umana.

“Il cielo può attendere” rimane quindi non solo un capolavoro della storia del cinema, ma anche un esempio di come l’arte possa aggirare con eleganza le limitazioni imposte dalla censura, trasformando i vincoli in opportunità creative. Un film che, proprio come il suo protagonista, conquista il nostro cuore con il suo irresistibile charme e la sua sincera celebrazione della vita in tutte le sue contraddizioni.

Ascolta gratuitamente questa e altre recensioni di libri, film e serie tv sul podcast “La Foglia d’Acanto” disponibile su Spotify, Amazon Music e YouTube.

“La famiglia” di Ettore Scola

Pubblicato il da
Rispondi

(Italia/Francia, 1986)

Ettore Scola, con il suo capolavoro “La famiglia” del 1986, si conferma non solo come uno dei più grandi registi di sempre, ma anche come un autentico maestro nel raccontare lo scorrere inesorabile del tempo. Il film rappresenta uno dei vertici della sua carriera, un’opera che attraversa ben ottant’anni di storia italiana attraverso la lente intima di una famiglia borghese romana.

L’espediente narrativo è geniale nella sua semplicità: la macchina da presa non abbandona mai l’appartamento dove vive la famiglia del protagonista Carlo, interpretato magistralmente da Vittorio Gassman e da giovane da Andrea Occhipinti. È l’Italia che cambia fuori dalla finestra, mentre dentro quelle stanze assistiamo al passaggio delle generazioni, ai cambiamenti nei costumi e nelle relazioni familiari.

Scola dimostra una sensibilità unica nel rappresentare il trascorrere degli anni. Non utilizza effetti speciali o soluzioni elaborate: sono i dettagli, i cambiamenti nell’arredamento, negli abiti, nelle musiche di sottofondo, nei comportamenti e nei dialoghi a scandire il passaggio delle epoche. Dal 1906, con la nascita di Carlo, fino agli anni ’80, ogni transizione temporale è fluida, naturale, quasi impercettibile eppure profondamente evidente.

Il regista riesce magistralmente a rappresentare come il tempo trasformi non solo i corpi, ma anche le anime dei suoi personaggi. Vittorio Gassman e gli altri interpreti invecchiano davanti ai nostri occhi senza strappi, con una continuità sorprendente, passando dall’esuberanza giovanile alla saggezza – o talvolta all’amarezza – della vecchiaia.

Particolarmente toccante è il modo in cui Scola affronta il rapporto tra Carlo e Adriana – interpretata da Fanny Ardant – sorella di Beatrice incarnata da una straordinaria Stefania Sandrelli, moglie dello stesso Carlo. La loro è una storia d’amore mai vissuta, un sentimento che attraversa i decenni rimanendo sempre sullo sfondo, come opportunità mancata che il tempo non cancella ma trasforma. L’apice del loro rapporto irrisolto è forse nella scena in cui Carlo/Gassman litiga con il promesso sposo di Adriana, interpretato da un monumentale Philippe Noiret che recita oltretutto anche in italiano.

La regia di Scola è precisa, meticolosa, quasi maniacale nella cura dei dettagli. La sua macchina da presa si muove all’interno dell’appartamento come un membro silenzioso della famiglia, osservando senza giudicare, registrando i piccoli e grandi eventi che compongono l’esistenza umana.

Scritto dallo stesso Scola assieme a Ruggero Maccari e Furio Scarpelli, “La famiglia” non è solo un film sul tempo che passa, ma anche un affresco storico dell’Italia del Novecento. Attraverso le vicende personali dei protagonisti, Scola racconta la Grande Guerra, il fascismo, la Seconda guerra mondiale, il boom economico, fino agli anni di piombo e agli anni ’80, senza mai trasformare il film in un documentario o in una lezione di storia.

Ciò che rende “La famiglia” un’opera straordinaria è la capacità di Scola di bilanciare il particolare e l’universale. Quella che vediamo è una famiglia specifica, con le sue peculiarità e le sue dinamiche uniche, ma è anche, simbolicamente, la famiglia italiana, con le sue tradizioni, le sue contraddizioni e la sua evoluzione nel tempo.

Il tempo, in questo film, non è solo un tema narrativo ma diventa quasi un personaggio invisibile che condiziona tutti gli altri. Scola lo rappresenta nella sua duplice natura: quella distruttrice, che consuma vite e relazioni, e quella creatrice, che permette nuovi inizi e trasformazioni inaspettate. Sublime è anche la visualizzazione dei passaggi temporali che Scola incarna in una lenta ma inesorabile carrellata nel grande corridoio vuoto della casa.

Nel cast, in personaggi secondari ma allo stesso tempo portanti, vanno ricordate le interpretazione di Ottavia Piccolo, Alessandra Panelli, Monica Schettini, Athina Cenci, Massimo Dapporto, Carlo Dapporto, Renzo Palmer, Giuseppe Cederna e Sergio Castellitto.

A distanza di quarant’anni dalla sua uscita, “La famiglia” conserva intatta la sua potenza emotiva e la sua rilevanza artistica, confermandosi come una delle opere più mature e compiute di Ettore Scola, un regista che ha saputo raccontare come pochi altri l’Italia e gli italiani, e soprattutto, il misterioso, inesorabile scorrere del tempo nelle nostre vite.

Un capolavoro assoluto.

Ascolta gratuitamente questa e altre recensioni di libri, film e serie tv sul podcast “La Foglia d’Acanto” disponibile su Spotify, Amazon Music e YouTube.

“La nave dei folli” di Stanley Kramer

Pubblicato il da
Rispondi

(USA, 1965)

Nel 1965, Stanley Kramer porta sul grande schermo “La nave dei folli”, adattamento cinematografico dell’omonimo romanzo di Katherine Anne Porter. Ambientato alle soglie del 1933, il film ci conduce a bordo di “Vera”, una nave passeggeri tedesca che salpa dal Messico verso la Germania, portando con sé un microcosmo umano di straordinaria complessità. A quasi sessant’anni dalla sua uscita, questa pellicola mantiene intatta la sua potenza simbolica e narrativa, offrendoci inquietanti parallelismi con la nostra società contemporanea.

“Vera” è un universo galleggiante, popolato da personaggi che rappresentano la società dell’epoca: aristocratici tedeschi, artisti disillusi, commercianti e piccoli borghesi, oltre a un equipaggio rigidamente gerarchico. Il tutto si svolge all’alba dell’ascesa del nazismo, in un momento storico carico di presagi, dove l’intolleranza e l’antisemitismo iniziano a manifestarsi apertamente e le divisioni sociali si acuiscono.

Kramer, maestro nel tradurre temi sociali complessi in immagini potenti, crea un’opera corale dove ogni personaggio porta con sé una storia e un significato preciso. La pellicola vanta un cast stellare, con Vivien Leigh (nella sua ultima interpretazione), Simone Signoret, José Ferrer, Lee Marvin e Oskar Werner, le cui interpretazioni restano memorabili.

“La nave dei folli” non è solo un film: è un’allegoria. Il bastimento diventa metafora di una società moralmente alla deriva, incapace di vedere l’abisso verso cui sta navigando. I passeggeri, immersi nelle loro preoccupazioni personali e nei loro pregiudizi, ignorano deliberatamente i segnali di pericolo rappresentati dall’ascesa del nazifascismo.

L’antisemitismo crescente, simboleggiato dal personaggio magnificamente interpretato da Josè Ferrer è uno dei temi centrali. La pellicola mostra come l’odio si insinui lentamente ma inesorabilmente nella società, prima tollerato, poi accettato, infine celebrato da alcuni personaggi che rappresentano l’avanguardia del pensiero nazista.

È qui che il film di Kramer rivela la sua terrificante attualità. Oggi, come allora, assistiamo alla normalizzazione di discorsi d’odio, alla crescita di movimenti estremisti e all’erosione di valori democratici che sembravano acquisiti.

La nave è divisa in classi rigide, con pochi punti di contatto tra di esse. Questa stratificazione riflette la nostra società contemporanea, sempre più polarizzata economicamente e culturalmente. Le bolle sociali in cui viviamo oggi assomigliano ai vari ponti della nave: raramente comunichiamo con chi è “sopra” o “sotto” di noi.

I personaggi del film, come molti di noi oggi, minimizzano o ignorano i segnali preoccupanti del loro tempo. “Passerà”, “è solo una fase”, sono frasi che riecheggiano tanto nel film quanto nelle nostre conversazioni quotidiane di fronte a derive autoritarie.

Nel film, gli ebrei e altri gruppi marginalizzati vengono progressivamente privati della loro umanità. Questo processo è tristemente familiare nel mondo contemporaneo, dove rifugiati, migranti e minoranze vengono spesso rappresentati come masse indistinte piuttosto che come individui con storie personali.

I personaggi più privilegiati del film vivono in un mondo di illusioni, incapaci di comprendere la gravità della situazione. Oggi assistiamo a una simile disconnessione tra élite politiche, economiche e culturali e il resto della società, con conseguenti fratture sociali sempre più profonde.

A livello tecnico, “La nave dei folli” è un capolavoro di regia e fotografia. Kramer usa magistralmente gli spazi claustrofobici della nave per creare tensione drammatica. I movimenti di macchina seguono i passeggeri attraverso corridoi e sale, creando un senso di disperata claustrofobia che riflette l’impossibilità di sfuggire al destino collettivo.

La fotografia in bianco e nero di Ernest Laszlo, che non a caso vince l’Oscar, crea un’estetica quasi espressionista, con ombre profonde che simboleggiano le oscurità morali dei personaggi e dell’epoca. Le sequenze dei pasti nella sala da pranzo, con conversazioni apparentemente mondane che nascondono tensioni profonde, sono esempi di straordinaria costruzione cinematografica.

“La nave dei folli” è più di un film storico: è uno specchio in cui la nostra società contemporanea può riflettersi. Le dinamiche di gruppo, i pregiudizi, l’incapacità di reagire collettivamente di fronte a pericoli evidenti sono elementi che rendono questa pellicola straordinariamente attuale.

In un’epoca in cui vediamo risorgere estremismi, teorie cospirazioniste e inaudite intolleranze, il film di Kramer ci ricorda che la storia può ripetersi se non impariamo dai suoi errori. Come i passeggeri della “Vera”, anche noi rischiamo di essere troppo occupati dalle nostre preoccupazioni individuali per vedere la direzione pericolosa che la nostra “nave sociale” sta prendendo.

Rivedere oggi “La nave dei folli” non è solo un’esperienza cinematografica: è un esercizio di consapevolezza civica. È un invito a riflettere su come scelte individuali apparentemente insignificanti possano contribuire, nel loro insieme, a catastrofi collettive. E soprattutto, è un richiamo alla responsabilità di ciascuno di noi di fronte alla storia.

Ascolta gratuitamente questa e altre recensioni di libri, film e serie tv sul podcast “La Foglia d’Acanto” disponibile su Spotify, Amazon Music e YouTube.

“Here” di Robert Zemeckis

Pubblicato il da
Rispondi

(USA, 2024)

“Here” rappresenta uno degli esperimenti cinematografici più ambiziosi e filosoficamente stratificati del 2024, un’opera che conferma Robert Zemeckis come uno dei registi più innovativi del panorama contemporaneo. Adattando l’acclamato romanzo grafico “Qui” di Richard McGuire, Zemeckis, assieme ad Eric Roth con cui ha scritto la sceneggiatura, ha creato un’esperienza visiva e narrativa che sfida le convenzioni tradizionali del cinema.

Questo film esplora un concetto apparentemente semplice ma profondamente evocativo: racconta la storia di un singolo angolo di terra attraverso milioni di anni, mostrandoci tutti gli eventi, grandi e piccoli, che si sono svolti in quell’unico spazio. Dal passato preistorico fino a un futuro ipotetico, assistiamo all’evoluzione di questo luogo e delle vite che lo attraversano, come se fossimo testimoni silenziosi del tempo stesso.

Ritroviamo in “Here” la collaudata coppia formata da Tom Hanks e Robin Wright, che già avevano collaborato con Zemeckis in “Forrest Gump”. Entrambi offrono interpretazioni toccanti nei ruoli di una coppia le cui vite si dipanano in questo spazio attraverso diverse epoche. La loro chimica sullo schermo è palpabile, e la capacità di entrambi di interpretare i loro personaggi in diverse fasi della vita risulta davvero toccante. Anche il cast di supporto, che include talenti come Paul Bettany e Kelly Reilly, contribuisce a creare un tessuto narrativo ricco e variegato che avvolge lo spettatore.

Da sempre pioniere dell’innovazione tecnica, Zemeckis non delude neanche questa volta. “Here” brilla per l’uso innovativo degli effetti visivi, con tecnologie all’avanguardia impiegate per rappresentare il passaggio del tempo nello stesso spazio fisico, creando transizioni fluide tra epoche diverse che lasciano senza fiato. La direzione della fotografia cattura magnificamente i cambiamenti ambientali e stagionali, mentre la colonna sonora accompagna con eleganza i momenti emotivi senza mai sopraffare la narrazione, creando un’armonia perfetta tra immagini e suono.

Al di là degli aspetti tecnici, il film ci invita a riflettere su temi profondi come la transitorietà dell’esistenza umana, la persistenza dei luoghi oltre le nostre vite effimere, e quei legami invisibili che connettono generazioni distanti tra loro. “Here” ci porta a considerare il nostro posto nel continuum temporale e la traccia, grande o piccola, che ognuno di noi lascia nel mondo. È come se Zemeckis ci sussurrasse all’orecchio: siamo solo di passaggio, ma il nostro passaggio conta.

Con questa sua ultima fatica, Zemeckis ha realizzato un’opera che trascende i confini del cinema convenzionale. È un film che richiede pazienza e apertura mentale, certo, ma che ricompensa lo spettatore con intuizioni profonde sulla condizione umana e sul nostro rapporto con lo spazio e il tempo. Non è un’esperienza per tutti, questo va detto, ma chi è disposto a lasciarsi trasportare dal suo flusso meditativo troverà un’opera d’arte cinematografica di rara bellezza e profondità, un’opera che continuerà a risuonare a lungo dopo la struggente scena finale, con il primo e unico vero movimento della macchina da presa.

Ascolta gratuitamente questa e altre recensioni di libri, film e serie tv sul podcast “La Foglia d’Acanto” disponibile su Spotify, Amazon Music e YouTube.

“Les Parapluies de Cherbourg” di Jacques Demi

Pubblicato il da
Rispondi

(Francia/Germania Ovest, 1964)

“Les Parapluies de Cherbourg” – parapluies è il termine francese per indicare gli ombrelli – è un’opera cinematografica unica nel suo genere, diretta nel 1964 dal regista Jacques Demy. Questo film rappresenta uno dei più alti esempi di cinema musicale europeo, distinguendosi per la sua innovativa struttura interamente cantata.

La pellicola racconta la storia d’amore, che si consuma fra le strade e i vicoli di Cherburg, tra Geneviève (Catherine Deneuve), una giovane che lavora nel negozio di ombrelli della madre (impersonata da una bravissima Anne Vernon), e Guy (Nino Castelnuovo), un meccanico che viene chiamato a prestare servizio militare in Algeria. Il loro amore, apparentemente destinato a durare per sempre, si scontra con la separazione forzata e le circostanze della vita che li porteranno a prendere strade diverse.

Ciò che rende straordinario questo film è il modo in cui Demy sceglie di raccontare questa storia semplice: ogni dialogo è cantato, trasformando l’intera narrazione in un’opera musicale continua. La sublime colonna sonora composta da Michel Legrand eleva la narrazione a livelli emotivi straordinari, con melodie che sono diventate iconiche nel panorama musicale cinematografico internazionle.

La fotografia del film è un trionfo di colori vivaci e saturi che creano un contrasto poetico con la malinconia della storia. Ogni inquadratura è composita come un quadro, con una cura meticolosa per i dettagli cromatici che enfatizzano gli stati d’animo dei protagonisti attraverso le scenografie ed i costumi di scena.

La giovane Catherine Deneuve offre una interpretazione indimenticabile, conferendole un’aura di fragilità e determinazione, che l’ha consacrata come una delle più grandi attrici del cinema francese e non solo.

“Les Parapluies de Cherbourg” è un’esperienza cinematografica che sfida le convenzioni, mescolando realismo e stilizzazione, gioia e dolore, in un racconto che parla di amore, separazione e scelte di vita. La potenza emotiva del film risiede proprio nella sua capacità di trasformare una storia semplice in un’opera d’arte visiva e musicale che continua a emozionare anche dopo oltre mezzo secolo dalla sua realizzazione. La pellicola vince, non a caso, la Palma d’Oro al Festival di Cannes.

Un capolavoro che merita di essere riscoperto da ogni nuova generazione di cinefili, e non solo.

Ascolta gratuitamente questa e altre recensioni di libri, film e serie tv sul podcast “La Foglia d’Acanto” disponibile su Spotify, Amazon Music e YouTube.

“Una questione d’onore” di Luigi Zampa

Pubblicato il da
Rispondi

(Italia, 1966)

“Una questione d’onore”, diretto da Luigi Zampa, è una brillante commedia all’italiana che, attraverso la satira, mette a nudo i meccanismi arcaici della società sarda – e non solo – degli anni ’60, con particolare attenzione ai codici d’onore e alle tradizioni che governavano i rapporti sociali sull’isola e di riflesso in tutta la nostra penisola.

Al centro della vicenda troviamo Efisio Mulas, interpretato magistralmente da Ugo Tognazzi in una delle sue interpretazioni più memorabili. Tognazzi incarna perfettamente un anonimo e squattrinato tuttofare di un piccolo paese sardo che, per un equivoco, si ritrova coinvolto in una questione d’onore legata alla sua presunta seduzione di Domenicangela (Nicoletta Machiavelli) per la quale i suoi quattro fratelli lo costringono a non frequentare altre donne né a lasciare la sua casa.

Domenicangela è in prigione, visto che ha colpito con una roncolata Efisio che, visto il suo aspetto non vuole riparare al torto, torto che in realtà non ha nemmeno commesso. Ma un’amnistia libera la ragazza che torna in paese con un aspetto diverso, molto più attraente e carnale. Efisio, così, è disposto finalmente a sposarla ma…

Il film si distingue per la sua caustica e impietosa critica del perbenismo imperante nell’Italia – tutta! – degli anni Sessanta. Zampa punta il dito contro una società che si regge su apparenze e convenzioni, smascherando l’ipocrisia di chi pretende di difendere l’onore mentre persegue i propri interessi personali. La pellicola mette a nudo brutalmente anche il divario tra la moralità proclamata pubblicamente e comportamenti privati, mostrando come le stesse persone che impongono rigide norme morali siano spesso le prime a infrangerle quando conviene loro.

Particolarmente feroce è la rappresentazione delle autorità locali e dei notabili del paese – fra cui spicca don Leandro Sanna interpretato magistralmente da Bernard Blier – dipinti come guardiani di un ordine sociale ingiusto che preserva soprattutto i loro privilegi. La pellicola, scritta da Leo Benvenuti, Piero De Bernardi, Lorenzo Gicca Palli e lo stesso Zampa, mette in ridicolo la loro postura moralista che serve solo a mantenere lo status quo, mentre dietro le quinte prosperano favoritismi, corruzione e bassi compromessi morali.

“Una questione d’onore” costituisce anche una denuncia spietata del sistema patriarcale. Il film evidenzia come il concetto di “onore” sia in realtà uno strumento di controllo sociale, particolarmente oppressivo nei confronti delle donne. Domenicangela viene ridotta alla fine a mero oggetto la cui “purezza” determina il valore sociale dell’intera famiglia. Le donne nel film sono private di autonomia decisionale e sottoposte a un rigido controllo da parte degli uomini della famiglia, responsabili di “vendicare” qualsiasi presunta offesa alla loro “proprietà”, così com’era la nostra società del tempo.

Zampa riesce a farci ridere mentre ci mostra la tragedia di questa condizione femminile, sottolineando l’assurdità di un sistema che considera normale che gli uomini decidano del destino delle donne, arrivando fino a pianificare vendette sanguinose per “lavare l’onta” di comportamenti femminili giudicati inappropriati.

La genialità del film risiede nella sua capacità di usare la comicità come strumento di critica sociale devastante, tipica della grande commedia all’italiana. Mentre ridiamo delle disavventure di Efisio, costretto a seguire codici comportamentali che non comprende pienamente e che lo portano verso situazioni sempre più assurde, Zampa ci costringe a confrontarci con l’irrazionalità di queste tradizioni. La comicità diventa così un potente mezzo di denuncia che, attraverso il riso, permette allo spettatore di prendere le distanze critiche dalle tradizioni rappresentate.

Tognazzi, con la sua straordinaria interpretazione, riesce a incarnare perfettamente il conflitto di un uomo intrappolato tra il desiderio di conformarsi alle aspettative sociali e la crescente consapevolezza dell’assurdità di queste richieste, rendendo il suo personaggio tanto comico quanto profondamente umano nella sua contraddittorietà.

Non a caso “Una questione d’onore” affrontò significativi problemi legali alla sua uscita nelle sale. Il film venne infatti sequestrato in Sardegna poco dopo la sua distribuzione, in seguito alle proteste di numerosi cittadini sardi che lo considerarono offensivo nei confronti delle tradizioni e dei costumi dell’isola.

Le autorità locali accolsero queste lamentele e procedettero al sequestro della pellicola, accusando il film di diffamare il popolo sardo attraverso una rappresentazione caricaturale e denigratoria. In particolare, venne contestata la rappresentazione della vendetta barbaricina e del codice d’onore, temi centrali nella narrazione.

Il sequestro innescò un dibattito significativo sui limiti della libertà artistica e sul diritto di satira. Gli autori e i produttori del film si difesero sostenendo che la pellicola non intendeva offendere la Sardegna, ma piuttosto criticare, attraverso la commedia, tradizioni obsolete che limitavano la libertà individuale.

Il caso legale evidenziò la tensione esistente tra la modernità che avanzava nell’Italia del famigerato Boom economico e le tradizioni culturali ancora fortemente radicate in alcune regioni. Il film, proprio per questa sua capacità di toccare nervi scoperti della società italiana dell’epoca, rimane ancora oggi un documento significativo del cinema italiano degli anni Sessanta, capace di utilizzare la commedia come strumento di analisi sociale.

Con il passare degli anni, “Una questione d’onore” è stato rivalutato e oggi viene considerato giustamente un’opera importante sia per il valore artistico che per la sua rilevanza storica e sociale.

Ascolta gratuitamente questa e altre recensioni di libri, film e serie tv sul podcast “La Foglia d’Acanto” disponibile su Spotify, Amazon Music e YouTube.

“Un film Minecraft” di Jared Hess

Pubblicato il da
Rispondi

(USA, 2025)

Ho portato i miei figli a vedere “Un film Minecraft” di Jared Hess e, con mia grande sorpresa, mi sono ritrovato a divertirmi quanto loro.

Quando hanno annunciato questo film, ho subito pensato fosse soprattutto l’occasione per un evento in famiglia. La verità? Era anche la mia scusa perfetta per vedere un film basato su un videogioco che mi aveva letteralmente divorato le serate quando uscì. Quante ore passate a costruire, esplorare e sopravvivere in quel mondo di blocchi…

Jack Black è semplicemente fenomenale nel ruolo di Steve. La sua energia e il suo umorismo trasformano quello che poteva essere un semplice personaggio di un videogioco in un protagonista carismatico con cui è impossibile non simpatizzare. Si vede che anche lui ha giocato a Minecraft e ne comprende lo spirito.

Il regista Jared Hess è riuscito nell’impresa non facile di tradurre l’estetica cubica e pixelata del gioco in qualcosa di cinematograficamente coinvolgente, senza tradirne l’essenza. Gli scenari ricreati sono fedeli al videogioco ma allo stesso tempo funzionano perfettamente sul grande schermo.

La trama, pur semplice, è ricca di riferimenti che solo i veri appassionati possono cogliere. Mi sono ritrovato a ridere per battute assieme ai miei figli, guardando momenti che richiamavano l’esperienza di gioco che solo chi ha passato ore a cercare diamanti nelle profondità delle miniere può comprendere, come il trauma di sentire quel “tsssss” alle spalle dopo ore di raccolta materiali…

Alla fine siamo usciti tutti soddisfatti: loro per l’avventura colorata e divertente, io per aver fatto un tuffo nella nostalgia di quando passavo le notti a costruire la mia casa perfetta, proteggendola dagli zombie.

In definitiva, “Un Film Minecraft” è molto più di un semplice adattamento per bambini: è un’opera che riesce a parlare a diverse generazioni di giocatori, confermando che Minecraft non è solo un gioco, ma un fenomeno culturale che continua a evolversi.

E a chi storce il naso vorrei ricordare che mentre c’era chi passava il tempo a guardare l’erba crescere in film di presunti autori in realtà fin troppo spesso incompresi perché incomprensibili, c’era chi letteralmente costruiva mondi interi. Con i blocchi, certo, ma pur sempre mondi…

E ora, se volete scusarmi, credo sia arrivato il momento di rispolverare il mio vecchio account e vedere cosa è cambiato nel gioco in tutti questi anni…

Ascolta gratuitamente questa e altre recensioni di libri, film e serie tv sul podcast “La Foglia d’Acanto” disponibile su Spotify, Amazon Music e YouTube.

“Flow” di Gints Zilbalodis

Pubblicato il da
Rispondi

(Lettonia/Belgio/Francia, 2024)

“Flow”, l’atteso film d’animazione del regista lettone Gints Zilbalodis uscito nel 2024, conferma il talento unico del suo autore, che aveva già impressionato con il suo debutto “Away” (2019).

Questo nuovo lavoro mantiene lo stile visivo minimalista che ha reso celebre il regista, ma espande la sua visione con una storia più complessa e ambiziosa. “Flow” ci trasporta in un mondo post-apocalittico dove l’acqua è diventata sia fonte di vita che di distruzione. Il protagonista, un giovane gatto, intraprende un viaggio attraverso paesaggi mozzafiato alla ricerca di un luogo sicuro.

Ciò che colpisce immediatamente è la straordinaria bellezza visiva del film. Zilbalodis, che ha realizzato nuovamente l’intero progetto da solo (animazione, musica, montaggio) – usando il programma disponibile per tutti e gratuitamente Blender – crea un’esperienza cinematografica che ipnotizza lo spettatore con i suoi paesaggi surreali e l’uso sapiente dei colori e della luce. Le sequenze in cui l’acqua diventa protagonista sono particolarmente memorabili.

Come il suo primo film, anche questo “Flow” è privo di dialoghi, raccontando la sua storia attraverso immagini e suoni. La colonna sonora, composta dallo stesso regista, accompagna perfettamente il viaggio emotivo del protagonista, alternando momenti di tensione a pause di contemplativa bellezza.

Il film esplora temi universali come la resilienza e la ricerca di connessione con gli altri in un mondo solitario e duro. La narrazione, sebbene semplice nella sua struttura, riesce a essere profondamente coinvolgente grazie alla magistrale costruzione visiva delle scene e ai momenti di pura poesia cinematografica.

“Flow” conferma Zilbalodis come una delle voci più originali e promettenti dell’animazione contemporanea, capace di creare universi visivi unici che rimangono impressi nella memoria dello spettatore molto dopo la fine della proiezione.

Ascolta gratuitamente questa e altre recensioni di libri, film e serie tv sul podcast “La Foglia d’Acanto” disponibile su Spotify, Amazon Music e YouTube.

“La segretaria quasi privata” di Walter Lang

Pubblicato il da
Rispondi

(USA, 1957)

Questa pellicola, firmata da uno dei maestri della commedia della Hollywood della prima era, è una brillante commedia che, vista oggi, risulta sorprendentemente profetica nel suo modo di affrontare il rapporto tra tecnologia e lavoro umano.

Spencer Tracy interpreta Richard Sumner, un ingegnere informatico che introduce un gigantesco computer chiamato EMERAC nel dipartimento di ricerca – allora chiamato “Quesiti” – nella sede di New York di un grande broadcaster statunitense.

Katharine Hepburn è Bunny Watson, la responsabile del dipartimento, estremamente competente e dotata di una memoria enciclopedica. Il timore che il computer possa sostituire lei e le sue colleghe crea tensione e al temo stesso comicità, mentre si sviluppa una storia d’amore e al tempo stesso antipatia tra i due protagonisti.

Ciò che rende “La segretaria quasi privata” così rilevante oggi è il parallelo sorprendente tra l’introduzione dell’EMERAC negli anni ’50 del secolo scorso e l’avvento dell’intelligenza artificiale nel nostro tempo. Proprio come Bunny e le sue colleghe che temono di essere sostituite da EMERAC, oggi molte lavoratrici e molti lavoratori temono che l’IA possa rendere obsolete le loro competenze. La domanda “L’intelligenza artificiale prenderà il mio posto?” riecheggia nelle menti e fomenta le preoccupazioni contemporanee di chi, soprattutto, lavora quotidianamente con un pc.

Il film mostra però come EMERAC, nonostante la sua tanto proclamata “infallibilità”, non possa replicare l’intuizione e il buon senso di Bunny. Similmente, l’IA odierna, sebbene impressionante, manca ancora di comprensione contestuale e giudizio etico che sono intrinsecamente umani.

Alla fine del film, Tracy rassicura Hepburn che il computer è destinato ad essere uno strumento di supporto, non un sostituto. Questa visione rispecchia l’attuale concetto di “IA aumentativa” che dovrebbe potenziare le capacità umane piuttosto che rimpiazzarle. Nel film, alcuni personaggi abbracciano la nuova tecnologia mentre altri la temono. Oggi osserviamo simili divisioni nell’adozione delle tecnologie di IA.

Tornado al film, ciò che lo rende speciale è la chimica indiscutibile tra Tracy e Hepburn, alla loro ottava collaborazione davanti alla macchina da presa. Il loro scambio di battute argute e il ritmo comico perfetto elevano una premessa potenzialmente didattica a una commedia romantica sofisticata e divertente.

Lang dirige con leggerezza, permettendo ai suoi attori di brillare e al tema dell’automazione di svilupparsi naturalmente. La scena in cui EMERAC “impazzisce” stampando avvisi di licenziamento è esilarante ma anche inquietante, anticipando comunque le moderne preoccupazioni sugli algoritmi fuori controllo.

“La segretaria quasi privata” è notevolmente presciente. Ciò che sembrava fantascienza nel 1957 – computer in grado di rispondere a domande complesse, automatizzare processi decisionali e potenzialmente sostituire lavoratori – è ora la nostra realtà quotidiana con l’IA.

Ma il messaggio più rassicurante del film rimane valido: la tecnologia, per quanto avanzata, funziona meglio quando complementa l’intelligenza umana piuttosto che cercare di sostituirla. Bunny Watson ed EMERAC imparano a coesistere, proprio come noi e l’IA dobbiamo trovare un equilibrio produttivo.

L’ottima sceneggiatura, basata sull’opera teatrale di William Marchant, è scritta da Phoebe Ephron e Henry Ephron, grandi artigiani della macchina da scrivere dell’era d’oro delle commedie hollywoodiane. I due, non a caso, sono i genitori di Nora Ephron, autrice di script di film come “Harry ti presento Sally” di Rob Reiner, “Insonnia d’amore” e “C’è post@ per te” che poi dirige anche.

“La segretaria quasi privata” – il cui titolo originale è l’assai più efficace e molto meno superficiale “Desk Set” – oltre ad essere un’ottima commedia romantica, offre ancora oggi una riflessione straordinariamente attuale sul nostro rapporto con le macchine e i sistemi intelligenti.

Ascolta gratuitamente questa e altre recensioni di libri, film e serie tv sul podcast “La Foglia d’Acanto” disponibile su Spotify, Amazon Music e YouTube.

“Piombo rovente” di Alexander Mackendrick

Pubblicato il da
Rispondi

(USA, 1957)

“Piombo Rovente”, il cui titolo originale è “Sweet Smell of Success”, rappresenta uno dei più crudi e affascinanti affreschi del giornalismo senza scrupoli mai portati sul grande schermo. Diretto magistralmente da Alexander Mackendrick, già noto per il delicato “Mandy” del 1952, questo film segna una svolta drastica nello stile del regista, che qui abbraccia il noir più cinico e tagliente.

La pellicola vede protagonisti Burt Lancaster e Tony Curtis in due delle interpretazioni più memorabili delle loro carriere. Lancaster – che è anche fra i produttori della pellicola assieme allo stesso Curtis e all’allora consorte Janet Leigh – interpreta J.J. Hunsecker, potentissimo giornalista di una nota testata newyorkese, il cui editoriale viene letto da 60 milioni di americani ogni giorno, oltre a condurre una trasmissione settimanale televisiva, sempre dedicata al mondo dello spettacolo. Il suo personaggio, spietato e manipolatore, si ispira chiaramente a figure del giornalismo americano dell’epoca come Walter Winchell, ma evoca anche lo stile senza scrupoli di figure come Hedda Hopper, celebre “penna armata” di Hollywood nota per la sua influenza e spietatezza.

Tony Curtis brilla nel ruolo di Sidney Falco, un agente pubblicitario disposto a tutto per entrare nelle grazie di Hunsecker. Curtis, solitamente associato a ruoli più leggeri, qui rivela un talento drammatico sorprendente, dando vita a un personaggio viscido e disperato, eternamente in bilico tra ambizione e autodistruzione.

La New York notturna fotografata in un magnifico bianco e nero da James Wong Howe è quasi un personaggio aggiuntivo: luci al neon, locali fumosi, strade umide e angoli bui compongono un ambiente claustrofobico e corrotto. Mackendrick trasforma la metropoli in un labirinto morale dove ogni scelta ha un prezzo, ogni favore richiede un contraccambio, e la dignità è merce di scambio.

La forza di “Piombo Rovente” risiede anche nella sua straordinaria sceneggiatura, firmata da Clifford Odets e Ernest Lehman. I dialoghi sono tra i più brillanti e taglienti della storia del cinema, ricchi di battute memorabili che rivelano l’essenza tossica dei due protagonisti e del loro mondo. “Ti vedo con gli occhiali da sole di notte. Sei uno che vive dentro una grotta”, dice un personaggio a Falco, sintetizzando perfettamente la sua oscurità morale.

Al centro del film c’è una spietata analisi del potere della stampa e di come questo possa essere usato per manipolare l’opinione pubblica e distruggere carriere e vite. Hunsecker usa la sua rubrica come un’arma: con poche parole può lanciare una carriera o affossarla per sempre. La relazione tra Hunsecker e sua sorella Susan (Susan Harrison) aggiunge uno strato ulteriore di complessità psicologica, trasformando il controllo mediatico in una metafora del controllo familiare e personale.

“Piombo Rovente” è un noir che non fa sconti a nessuno. Non ci sono eroi, solo diverse sfumature di antieroi, in un mondo dove l’etica è un lusso che nessuno può permettersi. La regia precisa di Mackendrick, le interpretazioni straordinarie di Lancaster e Curtis, la fotografia espressiva e la colonna sonora jazz di Elmer Bernstein si fondono in un’opera che, più di sessant’anni dopo la sua uscita, rimane di una modernità sconcertante.

Un film essenziale non solo per gli amanti del noir, ma per chiunque sia interessato alle dinamiche del potere mediatico e alle conseguenze morali della ricerca del successo a ogni costo, temi così attuali e presenti anche nella società contemporanea.

Ascolta gratuitamente questa e altre recensioni di libri, film e serie tv sul podcast “La Foglia d’Acanto” disponibile su Spotify YouTube Amazon Music podCloud e Castopod.