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Qui ci sono alcuni dei libri che mi hanno appassionato e fatto venire voglia di scrivere.

“L’isola degli idealisti” di Giorgio Scerbanenco

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(La Nave di Teso, 2018)

“L’Isola degli Idealisti” è un’opera peculiare nel panorama letterario del grande Giorgio Scerbanenco, autore principalmente noto per i suoi memorabili noir metropolitani ambientati nella Milano degli anni Sessanta.

Ritrovato quasi casualmente e pubblicato per la prima volta postumo nel 1973, questo romanzo – che molto probabilmente era stato commissionato dal “Corriere della Sera” per uscire a puntate – si discosta dal filone dei grandi e indimenticabili gialli con il detective Duca Lamberti come “Venere privata“; “I milanesi ammazzano al sabato”, “I ragazzi del massacro”e “Traditori di tutti“, per esplorare tematiche più filosofiche e speculative.

La storia è ambientata negli anni Trenta del secolo scorso sul Ginestrin, una piccola e remota isola sul lago d’Iseo, dove Antonio assieme ai suoi figli Carla e Celestino hanno cercato di creare una sorta di società utopica basata su ideali di giustizia, uguaglianza e libertà. Scerbanenco descrive con lucidità il progressivo sgretolamento di questo esperimento sociale, man mano che le contraddizioni interne, i conflitti personali e le debolezze umane emergono tra i protagonisti a causa dell’arrivo di Beatrice e Carlo, due topi d’albergo braccati dai Carabinieri.

La prosa di Scerbanenco mantiene la sua caratteristica asciuttezza anche in questo contesto inusuale, con dialoghi incisivi e una narrazione che procede implacabile verso la disillusione. L’autore dimostra una notevole capacità nell’analizzare la psicologia dei personaggi, mettendo a nudo idealismi, ambizioni e paure.

Particolarmente efficace è il modo in cui Scerbanenco esplora il divario tra le aspirazioni nobili e la realtà pratica, tra i principi astratti e le necessità concrete dell’esistenza quotidiana. Il romanzo si trasforma così in una riflessione amara sulla condizione umana e sui limiti intrinseci di qualsiasi utopia. Ma non manca comunque una speranza.

“L’Isola degli Idealisti” rappresenta un tassello importante per comprendere appieno la versatilità di Scerbanenco come scrittore, la sua visione disincantata del mondo e la sua profonda comprensione delle dinamiche sociali. Un’opera che, pur non raggiungendo la popolarità dei suoi noir, merita di essere riscoperta per la sua analisi spietata delle illusioni collettive e individuali.

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“Gli ansiosi” di Fredrick Backman

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(Mondadori, 2022)

Pubblicato per la prima volta nel 2019 dall’autore svedese Fredrik Backman, già noto per il delizioso “L’uomo che metteva in ordine il mondo“, “Gli ansiosi” con la sua prosa unica ci regala una storia che, sebbene parta da premesse drammatiche, si trasforma in una riflessione profonda e commovente sulla fragilità umana.

La trama è tanto semplice quanto geniale: un rapinatore disperato, dopo un tentativo fallito di rapina in banca, si ritrova per caso a prendere in ostaggio un gruppo di persone durante la visita di un appartamento in vendita. Quello che segue è un intreccio di storie e traumi, intimi e personali, che si svelano man mano che la situazione si sviluppa.

Il vero punto di forza del romanzo sono i personaggi. Backman riesce a creare un microcosmo di individualità, ciascuna con le proprie paure, i propri segreti e le proprie ansie. Dalla donna anziana che nasconde un profondo dolore, a quella altera e pungente, dalla giovane coppia in dolce attesa, a quella più matura e scaltra, fino all’agente immobiliare in crisi esistenziale: ogni personaggio è disegnato con una profondità e una cura che li rende autentici e tridimensionali.

Non mancano figure tragicomiche come il poliziotto prossimo alla pensione e suo figlio, anch’egli poliziotto, volitivo ma anche insicuro. Le loro dinamiche familiari aggiungono un ulteriore strato di complessità alla narrazione.

Lo stile di Backman è inconfondibile: alterna momenti di pura comicità a riflessioni profonde sulla natura umana. L’autore utilizza frasi brevi e incisive, dialoghi brillanti e una narrazione non lineare che permette al lettore di scoprire gradualmente i retroscena dei personaggi.

Particolarmente efficace è l’uso dell’ironia e del paradosso per affrontare temi profondi e tragici come la depressione, il suicidio e la solitudine. Backman riesce nella difficile impresa di far ridere mentre affronta argomenti serissimi, creando un equilibrio perfetto tra leggerezza e profondità.

Come suggerisce il titolo, l’ansia è il filo conduttore che unisce tutti i personaggi. Backman esplora magistralmente come questa condizione si manifesti in forme diverse: dall’ansia sociale alla paura del fallimento, dall’angoscia esistenziale alla preoccupazione per il futuro.

Il romanzo diventa così uno specchio della società contemporanea, dove l’ansia è diventata una compagna di viaggio per molti. Attraverso i suoi personaggi, l’autore ci mostra come dietro comportamenti apparentemente irrazionali o irritanti si nascondano spesso ferite profonde e paure legittime.

“Gli ansiosi” è molto più di una semplice commedia umana o di un thriller psicologico. È un’opera che celebra la resilienza umana, la capacità di trovare connessioni nei momenti più improbabili e la possibilità di redenzione anche nelle situazioni più disperate.

Backman riesce a trasformare una banale rapina in un’occasione per riflettere sulla complessità dell’esistenza umana, sulle coincidenze che cambiano le vite e sui legami invisibili che ci uniscono. Il risultato è un romanzo che fa ridere, commuove e lascia il lettore con un senso di speranza e di comprensione più profonda verso gli altri.

Un libro che, come i suoi personaggi, nasconde sotto una superficie apparentemente leggera, una complessità e una profondità sorprendenti.

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“A Milano non fa freddo” di Giuseppe Marotta

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(Garzanti, 1965)

“A Milano non fa freddo” è un affresco delizioso e malinconico della Milano dagli anni ’20 agli anni ’40 del secolo scorso, vista attraverso gli occhi di un napoletano trapiantato al Nord. Giuseppe Marotta (1902-1963), con la sua prosa elegante e lo sguardo acuto di chi è insieme dentro e fuori dalla realtà che descrive, dipinge un ritratto indimenticabile della città ambrosiana, dei suoi abitanti e delle loro abitudini.

Il titolo stesso è un ossimoro ironico che racchiude l’essenza del libro: a Milano fa freddissimo, ma l’autore riesce a scoprire il calore umano nascosto dietro la proverbiale freddezza dei milanesi. Attraverso una serie di racconti e aneddoti, Marotta esplora il contrasto tra la sua Napoli natia e la Milano, in cui approda nella metà degli anni Venti del Novecento, creando un ponte culturale fatto di osservazioni acute, humor gentile e profonda umanità.

Particolarmente toccanti sono i ritratti dei personaggi che popolano questa Milano: dalle portiere ai tranvieri, dai venditori ambulanti ai frequentatori dei caffè, dalla giovane operaia che si getta nel vuoto dopo aver perduto il lavoro al “commendatore” che l’aveva appena licenziata, ognuno viene descritto con una miscela unica di ironia e al tempo stesso tenerezza e comprensione. La scrittura di Marotta brilla per la sua capacità di cogliere i dettagli più minuti della vita quotidiana e trasformarli in piccole perle di letteratura.

Il libro non è solo un documento storico di una Milano ormai scomparsa, ma anche una riflessione universale sul senso di appartenenza, sull’integrazione e sulla capacità di trovare casa in luoghi inizialmente ostili. La narrazione, che oscilla tra memoir e romanzo, mantiene una freschezza e una vivacità che rendono l’opera ancora oggi straordinariamente attuale.

Una delle vette della nostra letteratura del Novecento.

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“La milleduesima notte” di Joseph Roth

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(Garzanti, 1965)

Joseph Roth, con la sua penna poetica e spietata, ci guida nella Vienna crepuscolare dell’Impero austro-ungarico. La milleduesima notte è un capolavoro che mescola il grottesco con il tragico, lasciando nel lettore una profonda riflessione sulla fragilità della gloria e delle certezze umane.

Tra i grandi scrittori del Novecento, Roth si distingue per la capacità di raccontare i crolli e le disillusioni del suo tempo con una delicatezza poetica e una lucidità spietata, entrambe miste ad un’ironia sottile e implacabile che trova pari solo fra quelle di giganti della parola scritta come Franz Kafka e Robert Musil. La milleduesima notte è una delle sue opere più affascinanti, capace di condensare in poche pagine tutta la grandezza e la fragilità dell’animo umano.

Pubblicato per la prima volta nel 1939, poco prima della morte del suo autore, questo romanzo ci porta nella Vienna degli ultimi anni dell’Impero austro-ungarico, un mondo ormai al crepuscolo che Roth ha saputo raccontare con amore e malinconia in tutta la sua produzione. Qui, però, il tono si fa più amaro, quasi disincantato, come se l’autore volesse anticipare il destino ineluttabile non solo di un impero, ma anche di un’epoca intera.

La storia prende il via con un episodio in apparenza semplice: lo scià di Persia arriva in visita a Vienna per un tour diplomatico, ed è accolto con tutti gli onori dalla nobiltà locale. Tuttavia, dietro la facciata scintillante della diplomazia e del protocollo, si nasconde una realtà di solitudine, avidità e ipocrisia. La narrazione si sviluppa in modo fluido, alternando descrizioni dettagliate e dialoghi incisivi, e Roth ci regala un affresco vivido di una società ormai vuota, aggrappata a un passato glorioso che sta inesorabilmente svanendo.

Attraverso personaggi che sembrano usciti dalle pagine di una fiaba – lo scià, i nobili decaduti e i loro servitori – Roth ci parla della condizione umana in modo universale. La sua penna è implacabile nel descrivere le meschinità e le ambizioni dei suoi protagonisti, ma al tempo stesso non manca mai di compassione.

Uno degli aspetti più affascinanti del romanzo è il suo linguaggio: semplice e limpido, ma carico di una tensione emotiva che esplode in dettagli apparentemente insignificanti, capaci però di evocare mondi interi. Roth non ha bisogno di lunghe digressioni per raccontarci la decadenza di un impero: gli basta descrivere un salone riccamente arredato ma polveroso, o uno sguardo fugace tra due personaggi.

La milleduesima notte è una lettura breve, ma intensa, che lascia un segno profondo. Non è solo una riflessione sulla fine di un mondo, ma anche un monito per chiunque voglia ignorare le lezioni della storia. Roth ci ricorda che ogni impero, ogni gloria, è destinata a svanire, lasciandosi dietro solo il ricordo ricoperto da un velo di malinconia.

Questo libro è non solo per chi ama la letteratura mitteleuropea, ma per chiunque voglia scoprire un capolavoro capace di parlare al cuore e alla mente. Roth, con la sua prosa elegante e incisiva, ci invita a riflettere sulla fragilità delle nostre certezze e sull’importanza di mantenere viva la memoria.

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“La corriera stravagante” di John Steinbeck

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(Bompiani, 2017)

Tra i tanti straordinari racconti che John Steinbeck ha regalato al mondo, “La corriera stravagante” del 1947 è uno di quei romanzi che, pur restando nell’ombra dei suoi capolavori più celebrati, riesce a toccare corde profonde dell’animo umano. Perché Steinbeck, come pochi altri, è stato capace di raccontare non solo le storie, ma soprattutto le persone.

In questo romanzo corale, l’autore americano mette in scena un’umanità apparentemente semplice ma straordinariamente complessa, che viaggia su un autobus malconcio tra polverose strade della California. Alla guida c’è Juan Chicoy, un uomo disilluso ma ancora capace di tenere salda la rotta, almeno nel tragitto quotidiano e nel rapporto con sua moglie Alice. Attorno a lui, passeggeri di ogni tipo: come la giovane e bella Camille Oaks, che proprio per il suo aspetto ha dovuto cedere alla feroce società patriarcale in cui è costretta a vivere diventando una spogliarellista; o il cinico ma perbenista industriale Elliott Pritchard, specchio di un’America che corre verso il futuro a scapito dei più deboli; e altre anime in cerca di risposte, o forse anche solo di un po’ di pace.

Steinbeck è un maestro nel tratteggiare i dettagli della psiche e nel rendere universale il particolare. I suoi personaggi non sono solo figure su una pagina, ma riflessi vivi di chi siamo o di chi potremmo diventare. Con la sua prosa asciutta e diretta, che lascia sempre spazio a un’ironia sottile e malinconica, lo scrittore ci accompagna in un viaggio dove il vero protagonista non è l’autobus, ma la fragilità umana.

“La corriera stravagante” è un ritratto perfetto di quell’America che Steinbeck ha sempre saputo raccontare meglio di chiunque altro: un paese vasto e ricco di contraddizioni, abitato da persone che cercano di andare avanti nonostante le difficoltà. Il romanzo non ha l’epicità di “Furore” né l’intensità tragica di “Uomini e topi“, ma nel suo piccolo offre uno spaccato altrettanto vivido e sincero della vita.

Con questo libro, Steinbeck conferma di essere un grande cronista dell’anima: un autore capace di vedere al di là delle apparenze e di raccontare, con una lucidità che non rinuncia mai alla tenerezza, le debolezze e le speranze che ci rendono umani.

Un viaggio da intraprendere, pagina dopo pagina, senza fretta ma con il cuore aperto.

Nel 1957 Victor Vicas realizza l’adattamento cinematografico dal titolo “Fermata per 12 ore” con Joan Collins e Jayne Mansfield.

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“Andrea oltre il pantalone rosa” di Teresa Manes

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(Graus Edizioni, 2024)

Nel novembre del 2012, Andrea Spezzacatena, un ragazzo di appena quindici anni, decide di togliersi la vita. Un gesto estremo e tragico che lascia attoniti e costringe a fare i conti con una delle piaghe più terribili della nostra società: il bullismo. Questo libro straziante, scritto da sua madre Teresa Manes, è un pugno nello stomaco e, allo stesso tempo, una chiamata alle armi per tutti noi, e ho usato non a caso il termine “armi” perché si tratta di una battaglia dura e cruda.

“Andrea oltre il pantalone rosa” non è solo una cronaca di eventi drammatici, ma un atto di amore e di coraggio. Con una scrittura intima e lucida, l’autrice ricostruisce i tormenti vissuti da Andrea, deriso e isolato per il semplice fatto di aver indossato un paio di pantaloni rosa – che in realtà erano semplicemente scoloriti – e usare lo smalto sulle unghie per evitare di mangiarsele. Quel capo di abbigliamento, apparentemente insignificante, e quello smalto diventano un simbolo di come l’ignoranza e il pregiudizio possano trasformarsi in armi letali.

Attraverso le pagine del libro, la voce di Teresa si leva chiara e forte, non solo per raccontare il dolore di una perdita irreparabile, ma anche per denunciare un fenomeno che continua a mietere vittime silenziose. Il bullismo, infatti, non è un problema confinato dietro i muri di una scuola: è una piaga sociale che coinvolge le famiglie, le istituzioni e la comunità tutta.

Leggendo questa testimonianza, non si può e non si deve restare indifferenti. Ogni episodio di violenza, fisica o psicologica, che viene ignorato o minimizzato è un mattone in più nel muro dell’indifferenza. Eppure, come sottolinea l’autrice, combattere il bullismo è un dovere collettivo. Serve ascoltare, educare, intervenire. Serve insegnare alle ragazze e ai ragazzi che le diversità sono una ricchezza e che il rispetto reciproco è il fondamento di ogni relazione.

“E’ inaccettabile doversi necessariamente uniformare perché una gratuita ignoranza culturale rema contro le diversità di ogni genere”, scrive Teresa Manes, che ci regala un libro che non si limita a documentare una tragedia, ma che scuote le coscienze e ci invita all’azione. Ogni genitore, insegnante o cittadino dovrebbe leggerlo, non solo per piangere su ciò che è accaduto, ma per impegnarsi a evitare che si ripeta. Manes ci ricorda, inoltre, che il bullismo miete vittime in ogni senso: sia in chi lo subisce, sia in chi lo perpetra perché è fin troppo spesso la manifestazione di un disagio profondo.

Il bullismo non è un problema degli altri. È un problema nostro. E “Andrea oltre il pantalone rosa” ci ricorda che possiamo, anzi dobbiamo, fare la nostra parte per costruire una società migliore. Per chi pensa, invece, di essere distante dal problema del bullismo perché magari non ha direttamente a che fare col mondo scolastico, valgono le parole del maestro Fabrizio De André: “…Anche se voi vi credete assolti, siete lo stesso coinvolti”.

Ma per fortuna le italiane e gli italiani possono dormire sonni sereni: nel nostro Paese non è ancora presente una legge chiara ed implacabile contro le discriminazioni abiliste, di genere o di credo. E ci sono individui che ancora festeggiano per questo…

Da questo libro e dalla vicenda di Andrea è stato tratto il film “Il ragazzo dai pantaloni rosa” di Margherita Ferri con Claudia Pandolfi. E a proposito di come la nostra società affronti il problema basta ricordare come in una proiezione per le scuole alcuni studenti abbiamo iniziano a gridare nel buio della sala il termine “frocio” verso il protagonista; o di come in un istituto superiore del nostro nord, tanto progredito e industrializzato, il preside abbia annullato la proiezione pressato da “alcuni genitori”.

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“La morte paga doppio” di James M. Cain

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(Adelphi, 1998)

Pubblicato nel 1936, “La morte paga doppio” di James M. Cain rappresenta uno dei pilastri fondamentali del noir americano, un’opera che ha ridefinito i confini del genere influenzando profondamente la letteratura e il cinema del XX secolo, così come “La giungla di asfalto” di William R. Burnett del 1949.

Cain, già affermato giornalista prima di dedicarsi alla narrativa, costruisce un racconto claustrofobico e viscerale ambientato in una California lontana dai lustrini di Hollywood. Al centro della narrazione troviamo Walter Huff, un esperto assicuratore che si reca a casa di Mr. Nirdlinger per rinnovare l’assicurazione sulla sua auto. Qui incontra Phyllis, la giovane e seducente moglie di Nirdlinger, e tra i due nasce una relazione che li porterà a elaborare un piano diabolico: uccidere il marito per incassare il premio dell’assicurazione sulla vita.

Lo stile di Cain è rivoluzionario per l’epoca: asciutto, diretto, privo di orpelli retorici. Un realismo violento e brutale che anticipa di decenni la lezione di scrittori come Raymond Chandler ed Ernest Hemingway. La sua prosa scarna nasconde una profonda analisi psicologica dei personaggi, rivelando le contraddizioni dell’animo umano attraverso i dialoghi e le azioni più che con lunghe descrizioni introspettive.

Il romanzo si inserisce perfettamente nel contesto storico della Grande Depressione americana, dipingendo un quadro spietato di una società in cui il sogno americano si è trasformato in un incubo fatto di compromessi morali e desideri inconfessabili. Il mondo delle assicurazioni diventa metafora di un’America dove tutto ha un prezzo, soprattutto la vita umana.

L’originalità dell’opera risiede anche nella struttura narrativa: Cain abbandona la figura del detective come protagonista, tipica del genere hard-boiled, per concentrarsi sui criminali stessi. La narrazione in prima persona di Walter ci rende complici involontari delle sue azioni, costringendoci a confrontarci con le zone d’ombra della natura umana.

Il titolo originale, “The Postman Always Rings Twice”, diventa una metafora della giustizia karmica che, come il postino del titolo, suona sempre due volte: la prima volta può passare inosservata, ma la seconda è inesorabile. Una metafora che ha radici profonde nella tradizione della tragedia greca, dove il destino raggiunge sempre i suoi obiettivi, per quanto i protagonisti cerchino di sfuggirgli.

L’influenza di quest’opera sulla cultura popolare è stata immensa. Il romanzo ha ispirato numerosi adattamenti cinematografici, tra cui il celebre e forse il migliore “La fiamma del peccato” (in originale “Double Indemnity“) del 1944, diretto da Billy Wilder e sceneggiato dallo stesso Cain insieme a Raymond Chandler, con Fred MacMurray e Barbara Stanwyck nei ruoli principali.

Si dice che lo stesso Wilder per leggere il romanzo, pubblicato per la prima volta a puntate sulla rivista “Liberty” – un pulp magazine dell’epoca – ci abbia messo meno di 58 minuti da quanto ne rimase folgorato; meno della metà delle due ore, cinquanta minuti e sette secondi che indicava invece la stessa “Liberty” per la sua lettura integrale.

Nel 1946 Tay Garnett realizza “Il postino suona sempre due volte” con John Garfield e Lana Turner come protagonisti, mentre nel 1981 Bob Rafelson dirige Jack Nicholson e Jessica Lange nell’omonimo remake.

Ma il suo impatto va oltre: ha definito i canoni del noir moderno, dove il crimine non è più solo un’indagine da risolvere ma diventa esplorazione delle debolezze umane.

Cain, che curiosamente non amava essere etichettato come scrittore noir, ha creato un’opera che trascende i confini del genere. “La morte paga doppio” è un romanzo sulla cupidigia, sul desiderio e sul destino, temi universali che lo rendono attuale anche a quasi novant’anni dalla pubblicazione. La sua influenza è riscontrabile in autori contemporanei come James Ellroy e Dennis Lehane, che ne hanno raccolto l’eredità nella costruzione di noir psicologici complessi e stratificati.

Un capolavoro che ha cambiato per sempre il volto della letteratura criminale americana, elevando il genere noir a strumento di analisi sociale e psicologica della condizione umana.

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“Marcovaldo” di Italo Calvino

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(Einaudi, 1975)

Quando Italo Calvino pubblica “Marcovaldo ovvero Le stagioni in città” nel 1963, composto da 20 novelle legate al passare delle quattro stagioni, non poteva sapere quanto le vicende di questo goffo e tenero personaggio sarebbero state attuali anche oggi, in un mondo sempre più invaso dal cemento e soffocato dall’inquinamento. Marcovaldo, un manovale semplice e sognatore, è un Don Chisciotte moderno che combatte contro mulini a vento ben più reali: l’inquinamento, la mancanza di spazi verdi, e una società urbana che sacrifica tutto in nome del progresso.

Calvino racconta la vita di Marcovaldo con ironia, ma in realtà costruisce una critica serrata alla scellerata urbanizzazione che soffoca ogni tentativo dell’uomo di avvicinarsi alla natura. Marcovaldo rappresenta ognuno di noi: brama uno spazio di libertà, un angolo di verde dove poter respirare e riappropriarsi della bellezza, ma la città industriale – con le sue fabbriche, i suoi gas di scarico e il grigiore opprimente – sembra volerlo risucchiare nella sua morsa ogni volta che lui tenta di scappare. È il conflitto eterno tra natura e civiltà, tra il desiderio di un’esistenza più autentica e la fredda meccanicità di una città che tutto ingloba e fagocita.

Calvino, con uno stile apparentemente leggero e fiabesco, ci offre uno specchio spietato della modernità. Ogni piccolo racconto è una parabola sulla distruzione dell’ambiente, sull’avidità umana e su una società che, nell’ossessione per il progresso, ha perso il contatto con le sue radici. Nei suoi tentativi di trovare funghi in mezzo allo smog o di catturare pesci nel fiume inquinato, Marcovaldo ci mostra l’assurdità di una civiltà che costruisce i suoi grattacieli proprio lì dove, un tempo, c’era un prato.

Scritto dal 1952 al 1963, “Marcovaldo” è un monito che resta intatto anche oggi: la nostra spinta verso la modernità e il consumo ha un prezzo salato, che rischia di diventare irreversibile. Calvino, come un profeta malinconico, ci invita a non perdere quel legame fragile con la natura, perché la perdita di questo equilibrio non porta solo a cieli sempre più grigi, ma ci priva anche della nostra umanità.

In un’epoca in cui il cambiamento climatico è all’ordine del giorno, rileggere Marcovaldo è un atto quasi necessario, per riscoprire nelle sue pagine una critica che va ben oltre il suo tempo e che ci costringe a riflettere su quanto la “città” di Marcovaldo ci appartenga, nel bene e – …ahimè – soprattutto nel male.

Nella prima edizione i racconti sono accompagnati dalle splendide illustrazioni di Sergio Tofano.

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“La giungla di asfalto” di William R. Burnett

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(Mondadori, 1965)

Il romanzo che fonda e rappresenta perfettamente l’arte del noir americano degli anni ’40 è senza dubbio “La giungla d’asfalto” di William R. Burnett. Uscito nel 1949, questo capolavoro della letteratura criminale riesce ad amalgamare realismo crudo, tensione narrativa e una riflessione profonda sulla natura umana, il tutto senza mai perdere quel tono cupo e disilluso tipico del genere, di cui di fatto riscrive le regole.

Protagonista della vicenda è Doc Riedenschneider, un criminale brillante appena uscito di prigione con un piano perfetto per una rapina in gioielleria. Intorno a lui ruota una galleria di personaggi memorabili: ogni membro della banda è un ritratto vivido di umanità ai margini, con le proprie motivazioni, i propri sogni e le proprie debolezze. Da qui prende il via una storia dove nulla è come sembra e dove il destino gioca con le vite dei protagonisti come in una partita a scacchi già scritta.

Burnett è magistrale nel costruire i suoi personaggi: non ci sono buoni o cattivi limpidi, ma solo donne e uomini che lottano contro un sistema che li schiaccia. È impossibile non empatizzare con loro, mentre si muovono in una città ostile che li divora poco a poco. La vera protagonista è proprio la “giungla d’asfalto” del titolo: un ambiente urbano spietato dove la legge della sopravvivenza regna sovrana.

Uno degli aspetti più affascinanti del romanzo è proprio il modo in cui Burnett tratta il tema del destino. Il piano perfetto esiste solo sulla carta: nella realtà, sono le debolezze umane, le coincidenze e l’imprevedibilità della vita a determinare il corso degli eventi. Il tono è sempre duro e realistico, eppure c’è una vena di tragedia greca che attraversa tutta la vicenda, specialmente quando i personaggi si rendono conto di essere intrappolati in un meccanismo più grande di loro.

Dal punto di vista stilistico, Burnett non ha bisogno di artifici letterari per creare tensione. La sua prosa è asciutta, precisa, chirurgica. E in questo sta la forza del romanzo: non servono fronzoli per raccontare una storia così potente e universale.

“La giungla d’asfalto” è uno di quei romanzi che, pur datati, conservano una modernità e una capacità di coinvolgere che li rendono dei classici intramontabili. Il suo realismo spietato, la sua visione cinica e la sua riflessione sulla natura umana ne fanno un’opera che merita di essere riscoperta.

Un noir che, nonostante i settantacinque anni trascorsi dalla sua pubblicazione, continua a emozionare e far riflettere. Un capolavoro da leggere o rileggere per chi ama la grande letteratura.

Nel 1950 John Huston firma il memorabile adattamento cinematografico “Giunga d’asfalto” con Sterling Hayden, Sam Jaffe e una giovane Marilyn Monroe. La pellicola, fedele allo spirito del romanzo, è considerata uno dei capolavori del cinema noir americano e ha contribuito a rendere il libro un classico immortale del genere.

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“Conversazioni su di me e tutto il resto” di Woody Allen con Eric Lax 

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(La Nave di Teseo, 2024)

Con “Conversazioni su di me e tutto il resto”, il grande regista, sceneggiatore e attore Woody Allen apre una finestra sulla sua vita e la sua carriera, offrendoci uno sguardo unico e intimo sui suoi pensieri più personali. In questo libro, frutto di un lungo dialogo – durato circa trent’anni – con il suo amico e biografo Eric Lax, Allen racconta con il suo stile inconfondibile, fatto di ironia e sagacia, le esperienze che lo hanno formato come artista e come uomo.

Il libro, strutturato come una serie di conversazioni, si sviluppa in un tono colloquiale e rilassato, dove Allen ripercorre la sua carriera dagli inizi come scrittore di battute per programmi televisivi fino a diventare una delle voci più riconoscibili e rispettate del cinema mondiale. Ciò che emerge è un ritratto complesso di un uomo perennemente in bilico tra il desiderio di fare cinema d’autore e la consapevolezza del suo status di intrattenitore.

Uno degli aspetti più interessanti del libro è la schiettezza con cui Allen parla del suo lavoro. Lungi dall’idealizzare la creazione artistica, l’autore si confessa insoddisfatto di molti dei suoi film, sottolineando quanto spesso i risultati sullo schermo non corrispondano alle sue intenzioni originali. È una riflessione affascinante, che ci permette di vedere oltre la superficie dell’artista apparentemente sicuro di sé, rivelando un uomo che, come tutti, lotta contro le proprie insicurezze.

Allen parla anche dei suoi idoli cinematografici e delle influenze che hanno plasmato la sua visione. Le pagine dedicate ai suoi amori cinematografici, da Ingmar Bergman a Federico Fellini, sono un atto d’amore per il cinema d’autore europeo, che ha profondamente segnato il suo stile e la sua poetica. Non manca, inoltre, l’autoironia: Allen scherza su alcuni dei suoi film meno riusciti, accettando con umorismo anche i flop al botteghino, così come si stupisce del grande successo di altri, come “Io e Annie”, “Manhattan” e “Match Point”.

Eric Lax, che lo conosce da anni, guida la conversazione con intelligenza, riuscendo a far emergere non solo la figura dell’artista, ma anche quella dell’uomo dietro la cinepresa. Le riflessioni sulla vita, la morte, l’amore e la ricerca di senso, temi centrali nei film di Allen, qui vengono esplorati in maniera più diretta, con una sincerità che sorprende.

Non mancano, ovviamente, i riferimenti alla travagliata vita personale di Allen, in particolare alle controversie che hanno segnato la sua vita privata negli ultimi decenni. Senza mai scendere nel sensazionalismo, il regista spiega schiettamente la sua versione dei fatti, mantenendo sempre quel tono disincantato che lo caratterizza.

“Conversazioni su di me e tutto il resto” non è solo un libro per appassionati di Woody Allen, ma anche un’opera che offre una visione unica sul processo creativo e sulle sfide che affronta un autore nel corso della sua carriera. È una lettura scorrevole, ricca di aneddoti divertenti e momenti di riflessione più profondi, che dipinge il ritratto di un uomo complesso, che con umorismo e intelligenza continua a interrogarsi su se stesso, sul mondo e, soprattutto, sul suo inspiegabile – …a suo modo di vedere – successo.

In definitiva, il libro è una deliziosa immersione nel mondo di Woody Allen, tra cinema, vita e riflessioni personali. Perfetto per chi è incuriosito dall’artista e dalla sua visione del mondo, ma anche per chi vuole capire di più su cosa significhi creare un film con tutte le incertezze e le frustrazioni che ne derivano. Una lettura che scorre veloce, ma lascia spazio per pensare a lungo dopo averla finita.

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