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Qui ci sono alcuni dei film che mi hanno appassionato e fatto venire voglia di scrivere.

“Nomadland” di Chloé Zhao

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(USA/Germania, 2020)

Che differenza c’è fra una persona senzatetto e una senza casa?

Questo splendido film, tratto dal libro “Nomadland: Un racconto d’inchiesta” scritto dalla giornalista americana Jessica Bruder e pubblicato nel 2017, tenta di spiegarcelo.

La stessa Bruder ha impiegato circa tre anni per scrivere il libro, anni nei quali ha viaggiato per gli Stati Uniti in un camper, fra il confine col Messico a quello col Canada, entrando in contatto con numerosi suoi connazionali che, a causa della crisi economica – che ha fatto molto più abbienti i ricchi e molto più numerosi i poveri – degli affitti alti e dei bassi salari, vivono in un camper o in un van inseguendo lavori stagionali o occasionali.

L’attrice e produttrice Frances McDormand – già vincitrice dell’Oscar come migliore attrice per le sue interpretazioni nei film “Fargo” scritto dal marito Joel Coen e diretto dal cognato Ethan Coen (cineasti con cui spesso collabora nella stesura degli script) e “Tre manifesti a Ebbing, Mossuri” di Martin McDonagh – insieme al produttore Peter Spears decidono di adattarlo per lo schermo.

Durante la premiazione degli Independent Spirit Awards 2018, la McDormand incontra l’altra candidata come lei al premio Chloé Zhao, alla quale decide di affidare sia la sceneggiatura che la regia.

Per 88 anni la cittadina di Empire, nel Nevada, si è retta sull’industria del cartongesso, che però la grande recessione della fine del primo decennio del nuovo millennio ha portato alla chiusura. La cittadina viene abbandonata da tutti, tanto da portare l’ufficio federale ad eliminare il suo codice di avviamento postale.

Superati i sessant’anni Fern (una grande McDormand) non avendo più una casa – l’immobile apparteneva alla fabbrica – né più un marito – deceduto poco prima della crisi del cartongesso – parte alla ricerca di lavori occasionali o stagionali nell’Ovest degli Stati Uniti a bordo di un van di terza mano, che diventerà la sua casa a tutti gli effetti.

Scoprirà un universo di persone costrette dagli eventi a condurre una vita simile alla sua, grazie alla quali troverà la forza di resistere e il coraggio di vivere.

Una grande pellicola intimista, con accenti che ricordano lo splendido “Una storia vera” di David Lynch, che ci racconta però anche dei grandi buchi neri sempre più frequenti e ampi nella nostra società, dentro i quali cadono loro malgrado sempre più individui. Una pellicola dedicati agli ultimi, che fin troppo spesso sono più rispettosi degli altri e della Natura in confronto ai primi, e forse troppo spesso per questo finiscono ai margini della società. Da sottolineare anche la splendida fotografia che rispecchia in maniera sublime lo stato d’animo della protagonista.

Il film, oltre al Leone d’Oro all’ultima Mostra del Cinema di Venezia, ha vinto numerosi premi in tutto il mondo, due Golden Globe e tre Oscar, fra cui quelli come miglior attrice protagonista alla McDormand.

Da ricordare anche la colonna sonora firmata da Ludovico Einaudi.

“Assassinio sul treno” di George Pollock

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(UK, 1961)

Tratto dal romanzo di Agatha Christie “Istantanea di un delitto” pubblicato nel 1957, questo “Assassinio sul treno” ha vari motivi per essere visto o rivisto, al di là del suo ottimo intreccio giallo.

Si tratta, infatti, del primo adattamento cinematografico del personaggio di Jane Marple creato dalla Christie, adattamento che ebbe poi un enorme successo. Questo non solo per il genio della grande scrittrice inglese, ma anche grazie al talento e al carisma di Margaret Rutherford, grande attrice di teatro, che davanti alla macchina da presa interpreta Miss Jane Marple in maniera davvero divertente e indimenticabile.

La Marple è una classica “zitella” – così come lei stessa sa di essere appellata – impicciona che però non si arrende facilmente. Ha piena e totale fiducia in se stessa e nei proprio mezzi, e non è un caso quindi che fra le prime battute che dice nel film ci sia: “…Questo è il secolo delle donne!”. Nella nostra versione deve essere ricordata anche l’indimenticabile attrice Lola Braccini che le prestò la voce.

Miss Marple sta viaggiando sul treno ed è sola nello scompartimento. Quando mancano pochi minuti all’arrivo in stazione, il suo treno viaggia parallelo ad un altro per pochi instanti. Istanti nei quali però la Marple scorge in uno scompartimento di quel treno delle implacabili mani guantate strozzare a morte una povera donna.

La Marple avvisa subito il controllore che, una volta arrivati in stazione, informa la Polizia. Ma non c’è traccia di alcun cadavere, né sul treno, né lungo i binari. L’ispettore Craddock (Charles Tingwell) ne informa la Marple, che però non ammette di passare per visionaria e così, assieme al suo fedele amico nonché bibliotecario Mr. Stringer (interpretato dall’attore Stringer Davis, vero compagno di vita della Rutherford), inizia le sue personali indagini…

Come anticipato il successo è planetario, tanto da portare la produzione a realizzare altri tre film con lei nei panni di Miss Marple: “Assassinio al galoppatoio” del 1963, “Assassinio sul palcoscenico” e “Assassinio a bordo” entrambi del 1964; anno in cui la Rutherford vinse l’Oscar e il Golden Globe come migliore attrice non protagonista per la sua interpretazione nel film “International Hotel” di Anthony Asquith.

Ma non solo, l’attrice Joan Hickson, che in “Assassino sul treno” interpreta il ruolo marginale di una governante part-time, visto il successo del film, a partire dagli anni Ottanta interpreterà Miss Jean Marple in varie serie televisive.

E sempre parlando di televisione non si può non pensare alla serie “La signora in giallo“, il cui titolo originale è “Murder, She Wrote” che richiama direttamente “Murder, She Said” titolo originale di questo “Assassino sul treno”. Non sono poche, infatti, le somiglianze fra la Marple della Rutherford e la Jessica Fletcher interpretata da Angela Lansbury, soprattutto quella delle prime stagioni. Anche la musica dei titoli di testa della serie ricorda chiaramente il tema centrale della colonna sonora del film di Pollock.

Per amanti della Christie, e non solo.

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“Betty” di Claude Chabrol

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(Francia, 1992)

Oltre trent’anni dopo la prima pubblicazione dello splendido romanzo del maestro Georges Simenon “Betty“, pubblicato per la prima volta nel 1961, Claude Chabrol realizza il suo affascinante adattamento cinematografico.

Fra i numerosi registi che hanno portato sul grande schermo le opere di Simenon, Chabrol è senza dubbio fra quelli che hanno corde narrative molto simili a quelle dello scrittore. Non è un caso quindi che i suoi due adattamenti, “I fantasmi del cappellaio” del 1982 e “Betty”, siano fra i migliori in assoluto realizzati per il grande schermo dalle opere immortali dello scrittore belga.

Nell’anonimo locale “La Buca” di Versailles viene portata dal suo accompagnatore, la giovane e in evidente stato di ebrezza Betty (Marie Trintignant). L’uomo, un ex medico cocainomane, sembra essere preda d’improvvise nevrosi che vengono contenute da Mario, il proprietario del locale. Betty, sempre più in preda all’alcol, chiede all’uomo ancora da bere, mentre al suo tavolo si siede un’altra avventrice del locale, Laure (Stéphane Audran) per ascoltare la sua storia. Storia che però Betty non riesce a raccontare perché sviene ferendosi ad una mano.

Laure chiede a Mario di portarla nell’albergo dove lei risiede ormai da qualche anno, e la fa sistemare nella camera accanto alla sua. La stessa Laure è stata per molti anni la moglie di un famoso medico e così, dopo aver lavato Betty, le cura la mano e la fa assumere alcuni tranquillanti.

Appena la ragazza si risveglia la sua ospite chiama un medico per visitarla, medico che conferma le cure di Laure e raccomanda assoluto riposi per vari giorni. Così Betty inizia a raccontare alla sua nuova amica la propria storia. Fino a pochi giorni prima era la moglie di uno dei rampolli di una delle famiglie più aristocratiche di Parigi, gli Etamble. Ma il suo carattere e soprattutto la sua sessualità irrisolta l’hanno portata alla “rovina”, costringendola ad abbondare le sue due figlie piccole.

Ma Betty, proprio nel locale “La Buca” ha toccato il suo “fondo”, e adesso non può fare altro che risalire…

Molto fedele al romanzo di Simenon, questo film di Chabrol è davvero uno dei migliori girati negli anni Novanta. Infatti, il regista francese, riesce a farne un’opera a se stante, che si basa sul romanzo di Simenon, ma che al tempo se ne distacca, toccando nuove leve emotive. Lo stesso Chabrol, per esempio, ha affermato che se nel libro originale Simenon, proprio per sottolineare la carnalità della storia, inserisce in continuazione carezze, abbracci e palpate amichevoli, lui li ha volutamente evitati. Perché, da vero artigiano del cinema quale era, sapeva bene che un conto è leggere una cosa, un altro assai differente è vederla. E così il senso di carnalità nel film lo ha ricreato attraverso non solo i corpi, i comportamenti e i dialoghi fra i personaggi, ma anche con i rumori, la colonna sonora e i movimenti della macchina da presa, per non parlare dei continui flashback che ci raccontano frammentata e apparentemente incomprensibile la storia di Betty.

Per la chicca: all’inizio dei flashback ambientati nella austera magione degli Etamble, la suocera di Betty, matriarca della famiglia e volitiva vedova del generale Etamble, parla sdegnosa di un film “indegnamente” scandaloso appena visto al cinema. Si tratta del bellissimo “Un affare di donne” che lo stesso Chabrol diresse nel 1988, film che provocò non poche polemiche negli ambienti più reazionari della società francese.

Purtroppo, guardando questo film, non si può non pensare al vero tragico epilogo della vita dell’attrice Marie Trintignant, figlia del grande attore Jean-Louis Trintignant. Nella notte fra il 26 e 27 luglio del 2003 – mentre era a Vilnius, in Lituania, per girare un film – venne massacrata di botte dal suo “compagno” il cantante Bertrand Cantat, frontman del gruppo Noir Désir. Per le gravi lesioni la donna entrò in coma e morì il 1° agosto dopo due vani interventi chirurgici. Il destino volle, inoltre, che questo infame delitto si consumasse in una stanza d’albergo, ambiente in cui si svolge la maggior parte del film “Betty”.

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“Tutti i mercoledì” di Robert Ellis Miller

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(USA, 1966)

Nel 1964 debutta a Broadway la commedia “Tutti i mercoledì” firmata dalla scrittrice e drammaturga americana Muriel Resnik. Sia l’autrice che il cast, fra cui c’è un giovane Gene Hackman, in quel momento sono semi sconosciuti, ma il riscontro di pubblico e critica è clamoroso, cogliendo tutti di sorpresa.

Come accade spesso accade, Hollywood osserva attentamente la strada dei teatri più famosa d’America, e così due anni dopo esce l’adattamento cinematografico. A scrivere la sceneggiatura è Julius J. Epstein (storico sceneggiatore della Mecca del Cinema, e premio Oscar per quella non originale di “Casablanca”, solo per ricordare una delle sue numerose opere) che produce anche la pellicola.

John Cleves (Jason Robards) è un caparbio dirigente d’azienda di mezza età, rispettato e temuto da tutti. E’ felicemente sposato con Dorothy Cleves (Rosemary Murphy, unica superstite del cast originale di Broadway) e conduce una vita inappuntabile e laboriosa …almeno per sei giorni a settimana, visto che il mercoledì lo passa in un piccolo appartamento a New York, intestato a una delle ditte che dirige, che invece lui personalmente assegna alle sue giovani amanti con cui passa il giorno feriale. Quando l’ultima lo lascia, Cleves parte alla ricerca di quella nuova e fra le sue facoltose e volitive braccia cade la giovane e fragile Ellen Gordon (una bravissima Jane Fonda, fresca reduce del successo in “Cat Ballou“) che, dopo non poche resistenze, cede alla sua corte.

Le cose per Cleves sembrano procedere alla grande fino a quando la sua distratta segretaria non dà le chiavi dell’appartamento a Cass Henderson (Dean Jones, che il mondo ricorda per le sue interpretazioni nei film dedicati ad Herbie il maggiolino tutto matto o per il delizioso “Quattro bassotti per un danese”, sempre firmati dalla Disney) giovane dirigente di una delle ditte sparse per il Paese. Se all’inizio Cass è convinto che Ellen faccia parte dei “benefit” dell’appartamento, non ci mette molto a capire la vera dinamica sentimentale fra l’ospite e il suo capo. A complicare le cose arriva anche la signora Cleves che, sempre per colpa della segretaria di suo marito, piomba nell’appartamento con l’intento di arredarlo…

Classica commedia degli equivoci che però, e forse è questo il motivo del suo duraturo successo, ci presenta le protagoniste femminili Ellen Gordon e Dorothy Cleves in una luce nuova e particolare. Le due donne, infatti, da posizioni succubi materialmente o moralmente degli uomini, si emancipano prendendo ognuna la propria consapevole strada.

Non è un cambiamento da poco, visto i profondi stereotipi con cui le donne vengono rappresentante in quegli anni nelle commedie “‘d’amore” sul grande schermo, anche di successo internazionale. Ellen e Dorothy, invece, respirano già quell’aria di cambiamento che di lì a pochi anni infiammerà la contestazione e soprattutto la lotta per l’emancipazione delle donne.

Insomma, un piccolo gioiellino precursore dei tempi, e non a caso Jane Fonda viene giustamente candidata al Golden Globe per la sua interpretazione.

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“Il lungo viaggio verso la notte” di Sidney Lumet

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(USA, 1962)

Nel 1956, tre anni dopo la morte del suo autore Eugene O’Neill – che lo avrebbe voluto pubblicato non prima di venticinque anni dalla sua dipartita – va in scena il dramma teatrale “Lungo viaggio verso la notte”.

Il successo è immediato in tutto il mondo e l’opera viene subito e giustamente considerata una delle pietre miliari della drammaturgia americana del Novecento al pari di “Un tram che si chiama desiderio” di Tenneesse Williams e “Morte di un commesso viaggiatore” di Arthur Miller.

Nel 1962 Sidney Lumet realizza un indimenticabile adattamento cinematografico con un cast davvero memorabile.

Siamo nell’estate del 1912 in Connecticut, nella magione estiva dei Tyrone. Il capofamiglia, James Tyrone (Ralph Richardson) ha fatto una piccola fortuna in gioventù recitando in una lunga serie di commedie teatrali romantiche dove interpretava il protagonista, ruolo che però ha finito per bloccarlo segnando anche il declino della sua carriera. Le sue umili origini lo hanno portato poi ad essere assai parsimonioso col denaro.

Sua moglie Mary (una grande Katharine Hepburn) che lo ha conosciuto proprio al culmine del suo successo ancora studentessa di un austero convento cattolico, alla morte in culla del loro secondo genito è caduta in depressione tanto da portare il medico curante a somministrale dei medicinali a base di morfina. Alla nascita del loro terzo genito Edmund, Mary è caduta nuovamente in depressione ed è ricorsa alla morfina diventandone sempre più dipendente. Poco prima dell’inizio dell’estate è stata dimessa per l’ennesima volta da una clinica disintossicante.

Il primogenito Jamie Tyrone (Jason Robards, che interpretò lo stesso ruolo al primo allestimento del dramma a Broadway nel ’56) ha seguito le orme del padre senza mai avere successo però, cosa che ha contribuito a renderlo un alcolista.

Edmund (Dean Stockwell) che ormai ha vent’anni, è da poco tornato da un lungo viaggio intorno al mondo in nave come marinaio, e ora vorrebbe diventare uno scrittore. Ma la violenta tosse che spesso lo assale insinua in lui, e nei suoi familiari, il sospetto di essere malato di tubercolosi.

Un’uggiosa giornata di pioggia costringe i quattro Tyrone a passare insieme un’intera giornata in casa, cosa che metterà a nudo i rancori, le debolezze, le invidie e i tradimenti di ognuno dei componenti della famiglia.

Molto fedele all’opera di O’Neill, questo adattamento cinematografico ci regala il ritratto drammatico e amaro di una famiglia disfunzionale, dove non si consumano omicidi materiali, ma atroci massacri emozionali e personali. Così come Miller in “Morte di un commesso viaggiatore”, O’Neill ci parla di come la famiglia possa diventare l’inferno e la causa di angosce e gravi nevrosi.

Il motivo principale per cui O’Neill voleva la pubblicazione così tanto dopo la sua morte sono certamente i profondi riferimenti che l’opera ha in relazione alla vera famiglia di origine del suo autore. A partire dalla casa nel Connecticut dove si svolge il dramma (che è molto simile al Monte Cristo Cottage, la casa posseduta dagli O’Neill a New London), per passare alla carriera teatrale del patriarca James Tyrone (James O’Neill, padre di Eugene, fu un vero attore teatrale di successo in gioventù, che poi rimase “impantanato” nell’interpretazione del protagonista di una lunga serie di spettacoli teatrali dedicati al Conte di Montecristo) o come i nomi di battesimo dei protagonisti che ricalcano quelli veri di madre, padre e fratello di Eugene. Edmund, il figlio minore dei Tyrone, è malato di tubercolosi e alla fine del dramma si appresta ad entrare in sanatorio, cosa che accadde davvero allo stesso Eugene O’Neill nel 1912 e 1913, e che ne fa quindi un suo vero e proprio alter ego.

E’ curioso pensare che a partire dal secondo dopoguerra, la cultura italiana ha smesso quasi completamente di parlare dei lati oscuri della famiglia, che rimane ovviamente la base fondamentale della società, ma allo stesso tempo è anche il luogo di tragici eventi, come per esempio i femminicidi, che straziano il nostro Paese quasi quotidianamente. L’unico grande autore italiano che affronta le disfunzionalità della famiglia rimane l’immortale Eduardo De Filippo a partire dalla sua commedia “Natale in casa Cupiello”, che risale al 1931.

La Hepburn (che viene anche nominata agli Oscar come migliore attrice protagonista), Richardson, Robards e Stockwell ottengono al Festival di Cannes il premio come migliori interpreti.

“Le ricette della signora Toku” di Naomi Kawase

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(Giappone/Francia/Germania, 2015)

Questo bellissimo e struggente film è tratto dal romanzo “Le ricette della signora Tokue” di Durian Sukegawa, pubblicato per la prima volta nel 2013.

Sentarô (Masatoshi Nagase) gestisce svogliatamente un piccolo chiosco di dorayaki – una sorta di pancake ripieni di marmellata ai fagioli rossi – nei pressi di un grande viale alberato al centro di una metropoli giapponese. La sua vita ruota intorno al chiosco, alla solitudine e all’alcol.

Una mattina di primavera, quando tutti i ciliegi del viale sono in fiore, un’anziana e strana attempata signora si avvicina al chiosco. Notando il cartello con cui Sentarô cerca un aiutante si offre dicendosi disponibile ad accettare anche la metà del salario offerto. Sentarô, vista l’età della donna, rifiuta categoricamente. Ma la signora Toku (Kirin Kiki) non si arrende, e qualche giorno dopo torna con un recipiente colmo della marmellata di fagioli rossi fatta da lei stessa. Appena l’anziana si allontana Sentarô getta il recipiente nella spazzatura ma poi, preso da uno strano senso di colpa, la riprende e l’assaggia rimanendone sublimato.

Così quando la signora Toku torna le offre il posto, non tanto come aiutante, ma come chef per preparare la marmellata. I clienti abituali, fra cui c’è l’adolescente Wakana (Kyara Uchida) si accorgono subito dell’incredibile bontà della nuova marmellata che rendono davvero speciali i dorayaki. Sentarô, infatti, prima dell’arrivo della Toku li farciva con dell’anonima marmellata industriale. In pochi giorni la notizia si sparge velocemente e davanti al chiosco si formano regolarmente lunghe file di clienti.

Wakana è sempre più affascinata e incuriosita dalla signora Toku che ha modi molti cortesi e al tempo stesso assai particolari. E soprattutto la giovane non riesce a fare a meno di osservare tutto il tempo le mani dell’anziana che hanno una grave e particolare malformazione.

La curiosità di Wakana la porterà a scoprire l’atroce e straziante “segreto” della signora Toku, che nonostante tutto sprizza gioia di vivere da tutti i pori. Ed è proprio l’immensa e incontenibile voglia di vivere che l’anziana insegnerà alla ragazza e, soprattutto, a Sentarô che ormai da anni getta via la sua vita.

Splendida pellicola intimista che ci racconta il dramma dei “diversi”, cui la vita spesso ha tolto molto, se non tutto, ma che non è riuscita a scalfire la capacità di apprezzare le cose belle, soprattutto le più piccole. E ci descrive come sono proprio gli stessi “diversi” e godere e riflettere la luce splendente della nostra esistenza, luce che troppo spesso i “normali” non vedono più.

Doloroso ma bellissimo. Da vedere.

“L’effetto acquatico” di Sólveig Anspach e Jean-Luc Gaget

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(Francia/Islanda, 2016)

Samir (Samir Guesmi) è un gruista che vive e lavora a Montreuil, in Francia. In un bar assiste alla piazzata che una sconosciuta fa al suo accompagnatore mentre questo tentava di palparla e baciarla. L’uomo ne rimane così colpito che riesce a sapere il nome e dove lavora la donna: si chiama Agathe (Florence Loiret Caille) ed è istruttrice di nuoto presso una delle piscine del quartiere.

Samir decide allora di iscriversi ad un corso tenuto da lei fingendo di non saper nuotare. La cosa sembra funzionare e l’istruttrice inizia a ricambiare l’attrazione che prova Samir. Ma una sera, proprio davanti ad Agathe, Samir si butta in piscina per salvare una ragazza che vi è caduta evidentemente ubriaca.

Essere stata ingannata porta Agathe a troncare ogni rapporto con Samir lasciando il lavoro d’istruttrice presso la piscina. Quando Samir viene a conoscenza che lei parteciperà, in quanto rappresentate di Montreuil, al raduno mondiale degli istruttori di nuoto che si tiene a Reykjavík, parte senza indugio per l’Islanda facendosi passare anche lui per un istruttore di nuoto…

Originale e godibilissima commedia romantica, con un ottimo cast, all’insegna dell’acqua e del desiderio.

Purtroppo questa pellicola è anche l’ultima firmata dalla regista islandese Sólveig Anspach che ne ha scritto la sceneggiatura assieme al francese Jean-Luc Gaget. Infatti, la Anspach muore a causa di un male incurabile durante le riprese, ma appare comunque in un piccolo cameo. A finire il film è lo stesso Gaget. La drammatica sospensione delle riprese si può intuire nel film dal cambio repentino di pettinatura di Agathe.

“L’albero di Antonia” di Marleen Gorris

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(Olanda/Belgio/Francia/UK, 1995)

Scritto e diretto da Marleen Gorris questo “L’albero di Antonia” è uno dei film più belli e significativi degli anni Novanta, e non solo.

Alla fine della Seconda Guerra Mondiale Antonia (una bravissima Willeke van Ammelrooy), insieme alla giovane figlia Danielle (Els Dottermans), torna nella vecchia fattoria dei suoi genitori, da poco scomparsi, in una piccola località agricola dell’Olanda.

Il fatto di non essere sposata e, soprattutto, l’ostentare di non volerlo fare né di sentirsi in colpa per essere una ragazza madre, crea subito scandalo nel paese. Ma Antonia è superiore alla basse ipocrisie perbeniste, così porta avanti la sua esistenza e la sua fattoria che diventerà il fulcro sociale per tutte le persone deboli e vittime dell’arroganza dei prepotenti, così come di quelle che intendono vivere la propria vita in piena libertà morale.

Attraverso le vicissitudine di Antonia, di sua figlia Danielle, di sua nipote Thérèse e della sua piccola bisnipote Sarah (che rappresenta l’alter ego della stessa Gorris) ripercorriamo la seconda parte del Novecento, ma soprattutto il ruolo e lo spazio che la società ottusa e maschilista vorrebbe concedere alla donna. Ma Antonia, che rappresenta tutte le donne, sia quelle forti e solide come lei che quelle più deboli e fragili, non è d’accordo e nonostante le difficoltà, le ingiustizie e i soprusi, va dritta per la sua strada e per le sue convinzioni.

Insieme allo splendido affresco di Antonia e della sua progenie, la Gorris ci racconta degli uomini che interagiscono con lei, uomini per la maggior parte piccoli, violenti e miseri. Solo quelli che comprendono e amano Antonia così come lei desidera – come il fattore Boer Bas (Jan Decleir) che le passa la vita accanto sempre alla giusta distanza, amandola profondamente e da lei ricambiato – si salvano.

Una splendida riflessione sulle donne e sulla loro emancipazione, che ci raccontata lucidamente quanto questa arricchisca e impreziosisca anche la vita degli uomini.

Da vedere e da far vedere a scuola.

Questo bellissima pellicola vince, tra gli altri numerosi premi, l’Oscar come miglior film straniero.

“Wonder” di Stephen Chbosky

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(USA, 2017)

Nel 2012 esce “Wonder” il primo romanzo della scrittrice americana R.J. Palacio (il cui vero nome è Raquel Jamarillo), libro per ragazzi incentrato sul bullismo, soprattutto quello feroce e spietato contro le diversità.

L’esperienza della scrittrice è “diretta”, perché l’esigenza di scrivere il libro le nasce dopo una gita al parco coi figli. Mentre gioca col minore, nelle vicinanze giunge una bambina affetta da una grave malformazione facciale. Il primo istinto della futura scrittrice è quello di allontanarsi per paura che i suoi figli possano rimanere impressionati. La sua reazione ottusa e insensibile, e soprattutto il turbamento che questa le provoca nel profondo, portano la Palacio a scrivere “Wonder”, primo di una serie di sette libri.

Così entriamo nella vita di August “Auggie” Pullman (un bravissimo Jacob Tremblay) un bambino di dieci anni affetto dalla sindrome di Treacher Collins che, oltre a deformargli il cranio, lo ha costretto a ben 27 importanti interventi chirurgici per consentirgli di respirare e sentire.

Auggie, a causa della sua malattia e dei relativi lunghi ricoveri, non è mai andato a scuola e della sua istruzione se ne è sempre occupata la madre Isabel (un’altrettanto brava Julia Roberts). Ora però, secondo Isabel e nonostante i dubbi del padre Nate (Owen Wilson), è giunto il momento per Auggie di frequentare la prima media.

Isabel e Nate sanno però che il primo impatto con il mondo esterno potrebbe essere devastante. Ma senza provare che senso avrebbe per Auggie, così appassionato per lo studio e con una vera e propria propensione per le scienze, la vita passata sempre chiuso in una bolla di vetro?

Come è capitato a tutti noi – tranne ai bulli ovviamente… – Auggie dovrà scontrarsi col bullismo che per lui purtroppo sarà più violento, fatto di atteggiamenti subdoli e ipocriti, atroci prese in giro e insulti belli e buoni.

Come i libri della Palacio, il film ci racconta anche le drammatiche e dure esperienze delle persone che amano e vivono accanto ad Auggie, come sua sorella maggiore Olivia (Izabela Vidovic) che dal giorno della nascita del fratello minore ha sempre vissuto “in punta di piedi” per non creare ulteriori problemi ai suoi genitori. O quelle di Julian, facoltoso compagno di classe di Auggie che identifica in lui il “mostro” da schifare e insultare quotidianamente.

Ma parafrasando Auggie: “Ognuno di noi conduce una guerra contro il mondo, e per questo meriterebbe nella vita almeno una standing ovation”. E la disabilità, fra gli altri gravi problemi, rende questa guerra più evidente e dura.

Sceneggiato dallo stesso Chbosky – autore della discreta pellicola “Noi siamo infinito” – insieme a Steve Conrad e al bravissimo Jack Thorne (che la Rowling ha scelto per scrivere “Harry Potter e la maledizione dell’erede” e autore di script per ottimi film come: “Radioactive” della Satrapi, “Enola Holmes” di Bradbeer e “Il giardino segreto” di Munden) “Wonder” è davvero un inno alla vita struggente ed emozionante.

Da vedere e far vedere nelle scuole.

“Provaci ancora Sam” di Herbert Ross

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(USA, 1972)

Chi ha letto la sua irresistibile autobiografia “A proposito di niente” sa che Allan Stewart Königsberg, in arte Woody Allen, oltre ad essere stato un ottimo sportivo, soprattutto come giocatore di baseball, è stato fin da giovanissimo un grande seduttore.

Per cui il Sam protagonista di questo “Provaci ancora Sam” ha solo dei riferimenti superficiali al vero Woody Allen. La prima esperienza sul grande schermo per il genio newyorkese non è positiva: nel 1965 scrive la sceneggiatura di “Ciao Pussycat” che però durante le riprese viene abbondantemente stravolta, rivelandosi poi un flop di critica e pubblico.

Nel 1969 gira con mezzi davvero limitati “Prendi i soldi e scappa” che è una parodia dei reportage televisivi di cronaca nera. D’altronde Allen conosce molto bene la televisione, visto che è diventato un autore stimato e ricercato già da adolescente. Poco dopo, come ci racconta sempre nella sua autobiografia, scrive la commedia teatrale “Provaci ancora Sam” per puro divertimento. Grazie al suo genio e alla sua interpretazione, insieme a quella di Diane Keaton e Tony Roberts, da piccola rappresentazione off-Broadway la commedia sbanca in pochi mesi al botteghino.

Il cinema torna ad interessarsi di Allen che però scrive una sceneggiatura “intoccabile”. A dirigere il film viene chiamato un grande artigiano della macchina da presa come Herbert Ross – autore di pellicole come “La soluzione sette per cento“, “California Suite” o “Quel giardino di aranci fatti in casa” – dal quale Allen imparerà i primi trucchi del mestiere.

Il naufragio del matrimonio di Sam, i suoi disperati e patetici tentativi di “tornare sulla piazza” e la sua fugace avventura con Linda (Diane Keaton) moglie del suo migliore amico Dick (Tony Roberts), ma soprattutto i consigli a base di whisky, ceffoni e baci del grande Humprey Bogart (interpretato da Jerry Lacy) sono ormai storia del cinema. A distanza di cinquant’anni nessuna delle strepitose battute del film ha perso il suo smalto o la forza ironica.

Il successo internazionale del film – nel nostro Paese la distribuzione di “Prendi i soldi e scappa” avviene solo poche settimane prima dell’uscita di “Provaci ancora Sam” – gli apre definitivamente le porte del mondo del cinema.

Da ricordare, nella nostra versione, oltre al “solito” magistrale doppiaggio dello stesso Allen da parte di Oreste Lionello, quello di Lacy nei panni di Bogart da parte di Paolo Ferrari, davvero due grandi ed indimenticabili artisti.

Da vedere e rivedere ad intervalli regolari.